中国艺术有一个特征：凡是发展历史不曾中断，一直传承有序的艺术，成就都非常之高。反之，发展过程中出现断层的艺术，成就便有些可怜。
万幸，紫砂工艺在五百年的发展史中，一直处在传承有序的状态中。古代有很多传大的工艺，传承的都不如紫砂，例如金银器、铜器、锡器、玉器、漆器、竹刻等。以上这些工艺，在明代都获得了相当成就的发展，并且每个领域都出现了独领风骚的大师。入清以后至民国，这些工艺都走向了衰落，直至今天还没有恢复元气——我说的衰落，指的不全是工艺水平，更多的是审美取向。因为审美取向一旦糟糕，再好的工艺水平做出来的作品，也是惨不忍睹。紫砂的传承，比以上诸工艺都要好。因为紫砂与以上诸高贵器物相较，实用性更佳。并且紫砂制作的入门门槛，比以上诸工艺要低得多。
在明末，出现了第一位紫砂大师：时大彬。时大彬有两个改变紫砂命运走向的创举：一是改变了紫砂的成型方式，由手捏改为打泥片；二是受文人饮茶风尚影响由制作大壶转向小壶的制作。这两个根本性的转变，一直传承到今天。
入清以后，紫砂器的制作逐渐走向浮华、雕饰、造作。比较有代表性的是康熙年间的陈鸣远。陈鸣远作品多以自然形体入壶，如南瓜、石榴、核桃、松桩、笋等，同时又制作了大量紫砂文房器具，成为名重一时的大师。陈鸣远开创的风格并不容易接力，接下来，是乾隆年间的陈曼生与杨彭年合作的“曼生十八式”，在素壶坯上铭书作画，不拘一格，以书画入壶，被视为艺人与文人合作的典范。就我个人而言，我很不喜欢“曼生十八式”，因为这些造型中的大部分器型泡茶并不实用，并且将其置于茶桌上，很难构成与风炉、茶杯等其他器物谐和一致的意境。曼生十八式最为人称道的壶体刻画，由于与传统的金石文化有了联系，所以被视为雅文化一脉，但事实上，紫砂壶由于材质所限，至今也未正式进入“金石”概念的势力范围。
大约正在此时，紫砂史上的第二位巨匠出现了：邵大亨。这位活跃于嘉庆道光年间的大师，作品一扫陈鸣远为代表的繁缛习气和以陈曼生为代表的文人作风。邵大亨主要作品简洁庄重，沉郁雄浑，纯以气韵取胜。代表作有大亨莲子、大亨仿古、大亨掇只等。这些作品线条至简，比例谐和，泥色纯正，“嘴注把胥出自然若生成者”，就是说，看上去壶嘴和壶把就像是壶身上自然生长出来的一样，而不是人为添加上去的。可见邵大亨制壶的技艺已臻炉火纯青之境。至今，我们去评价一把传统造型的紫砂壶，一个重要的标准仍旧是嘴、把的自然程度，倘若嘴、把被很生硬地接在壶体上，该壶便可判为下品。
道光以后不久，就是民国的天下了。民国时期，有七位较为著名的紫砂艺人，史称“紫砂七艺人”或“民国七老”。顾景舟先生即是七老之一，其他六位分别是裴石民、吴云根、朱可心、王寅春、任淦庭、蒋蓉。除顾景舟先生之外，其余几位继承的多是清初陈鸣远的衣钵，例如裴石民的松段壶、朱可心的报春壶、蒋蓉的荷花壶等。而顾景舟先生，走上了另外一条完全不同的道路。顾老评价邵大亨时如是说：“大亨壶各式器型堪称集砂艺之大成，刷一代纤巧糜繁之风”。这句话，评价的即是邵大亨，也是先生自己。顾景舟先生的作品，大多都有一个特点：由严谨的几何结构构成的和谐整体之美。最典型的当然是顾派石瓢。无论是景舟石瓢还是顾派子冶瓢，其严谨合度的几何结构，浑然天成的整体意韵，都是前无古人——至于有无来者，我只能说，到现在还没有。顾老的经典作品除了石瓢，还有笑樱、秦权、汉铎、上新桥、仿古、井栏、提璧、僧帽等，每一种造型，顾老的作品都完全找不出对手。
最后，说说顾老作品的价格。顾老是宜兴人，同样的是宜兴人、且比顾老还小四岁的画家吴冠中，多年前单幅画作的拍卖价就已经过亿了。顾老的九头咏梅紫砂壶前几年拍出了8000万，想来在拍卖会上以过亿的价格易手应该就在不远的将来。
至于顾老的艺品、人品、风骨，网上有诸多资料，这里就不复制粘贴了。
高山仰止，顾老手笔。五百年来，一人而已。
